La collezione esplora una visione contemporanea del menswear attraverso la reinterpretazione della sartoria classica. I codici tradizionali vengono decostruiti e trasformati attraverso asimmetrie, drappeggi, spalle scoperte e proporzioni inaspettate, creando un dialogo tra struttura e fluidità. Le vite definite contrastano con pantaloni ampi e allungati, mentre le giacche scultoree trasformano elementi sartoriali familiari in silhouette più espressive e non convenzionali. In tutta la collezione, il rapporto tra corpo e abito assume un ruolo centrale: alcune parti del corpo vengono rivelate, mentre altre sono enfatizzate attraverso volumi e costruzioni. Una palette raffinata di nero, marrone profondo e verde tenue rafforza l’eleganza e la continuità visiva dei look. Combinando la precisione della sartoria con forme più morbide e fluide, la collezione mette in discussione i codici tradizionali del menswear e propone un’interpretazione sofisticata, sensuale e contemporanea della mascolinità.

Esiste un incontro che precede tutti gli altri. Silenzioso. Invisibile. Necessario. È l’appuntamento con sé stessi. Da questa idea nasce L’Appuntamento: una riflessione sulla dualità che abita ogni individuo, sull’istante in cui due forze apparentemente opposte smettono di respingersi e iniziano a dialogare.
-.L’architettura incontra il gesto.-
-.Il rigore incontra il gioco.-
-.La disciplina incontra l’istinto.-
Ogni capo diventa il luogo di questa tensione. La forma non impone, accompagna. La struttura non limita, rivela. Gli opposti non cercano una sintesi, ma una convivenza. È proprio nello spazio che li separa e allo stesso tempo li unisce che prende forma una nuova idea di equilibrio.
-.Perché ogni incontro autentico lascia una traccia.- E il primo, il più raro, è sempre quello con sé stessi.

Timeless Warriors reinterpreta l’archetipo del guerriero attraverso una lente contemporanea, fondendo riferimenti militari, estetiche futuristiche, immaginario fantascientifico e ispirazioni raccolte durante viaggi nel Sud-est asiatico. Al centro si colloca il concetto di starseed, un’entità guida che simboleggia l’evoluzione e la trasformazione umana. Questa visione si sviluppa in AEON[X], una capsule di outerwear modulare in cui i capi funzionano come armature contemporanee: protettive, adattabili ed espressive. Tessuti tecnici, superfici trattate, elementi regolabili e componenti removibili creano un equilibrio tra funzionalità ed estetica. Attraverso silhouette protettive, costruzioni asimmetriche e design modulare, la collezione esplora i temi dell’identità, della trasformazione e della resilienza, immaginando l’abito come oggetto narrativo e come strumento di interazione tra corpo, tecnologia e ambiente urbano.

Un tocco, una carezza, un nodo. Impulsi elettrici che percorrono la pelle, un brivido che corre lungo la schiena, un’armatura indossata per proteggere questa vulnerabilità. Sensazioni fisiche che fanno venire la pelle d’oca, la riscoperta di una connessione al tempo stesso fragile e potente.

BUFFER ZONE esplora il corpo sottoposto a un continuo sovraccarico digitale. Viviamo circondati da notifiche, immagini e informazioni che generano una condizione costante di pressione. Il progetto indaga l’adattamento: l’abbigliamento diventa una seconda pelle, un sistema intermedio tra il corpo e l’ambiente. Le imbottiture funzionano come zone di buffering, creando distanza, protezione e isolamento. Le superfici termocromiche reagiscono al calore corporeo e diventano metafora della saturazione, mentre le costruzioni a forma di crepa rendono visibili sul capo tensione e instabilità. Nero e grigio esprimono densità e sovraccarico, mentre verde acido e fucsia agiscono come segnali digitali di allerta. BUFFER ZONE non propone una soluzione: racconta un corpo costretto ad adattarsi agli stimoli continui costruendo intorno a sé un sistema di protezione.

Leggende urbane sovietiche. Fake news dell’era della perestrojka sul fatto che Lenin fosse un fungo. 1984 di George Orwell. Architettura sovietica. Moda sovietica. Il giornale di propaganda sovietico “Pravda”. In russo, Pravda significa verità. Cos’è la verità? Chi la decide? Volumi esagerati. Stampe audaci. Colori sgargianti. Un universo distopico di ribellione totale. Anarchia. Disprezzo per le regole.

Un istante. Poi, l’esplosione. Li nasce la fusione. Un insieme di forze contrapposte attratte da un’immagine unificata.  Una donna che diventa particella e reazione, protone e elettrone, attrazione e repulsione.  Così come la fotografia di Gary Winogrand dove la donna viene colta nel momento esatto in cui perde il controllo della propria immagine, nella sua distrazione. È lì che diventa magnetica, non posa, accade.   Un’esplosione che non è la fine, ma l’inizio di una danza silenziosa in cui le contrapposizioni si abbracciano.

“Non parto, non resto…” nasce dalla tensione tra movimento e permanenza: un territorio grigio, sospeso, da cui prende forma una profonda inquietudine interiore, il desiderio di fuggire senza sapere cosa si potrà ritrovare al ritorno. La collezione traduce questa condizione in una ricerca sartoriale sui volumi, capaci di suggerire visivamente una forma per poi rivelarne un’altra. Superfici in PVC lattiginoso attraversano i capi, velando la percezione e confondendo il pensiero. Ogni pezzo conserva la traccia di un gesto interrotto: pieghe, tagli, sovrapposizioni e pois diventano la memoria materica di questa sospensione. Il capo, quindi, non rappresenta un luogo, ma la condizione di chi continua a cercarne uno.

CHAPITEAU nasce dall’incontro tra il mio percorso progettuale e la storia della mia famiglia, profondamente legata al mondo circense. Provenendo da una famiglia di artisti circensi, la cui attività è proseguita fino alla generazione di mio nonno, ho ereditato frammenti di questo mondo attraverso racconti, fotografie e immagini. Pur non avendolo vissuto direttamente, questa memoria frammentaria ha alimentato la mia curiosità verso una tradizione la cui trasmissione si è interrotta con la fine dell’attività circense della mia famiglia. I Clowns di Federico Fellini, in particolare la scena finale che rappresenta la morte del clown, è diventato un riferimento fondamentale per riflettere sulla fragilità dei mestieri e dei saperi tramandati attraverso la pratica, nonché sul rischio della loro scomparsa. Attraverso le figure del Clown Bianco e dell’Augusto, la collezione esplora il rapporto tra memoria e trasformazione, ordine e imperfezione, controllo e spontaneità. Il loro contrasto esprime il potenziale creativo dell’errore, della riparazione e della sperimentazione. Più che rappresentare semplicemente il circo, CHAPITEAU lo utilizza per indagare il valore del fare. Gli abiti diventano oggetti capaci di conservare le tracce del processo creativo, trasformando il sapere artigianale in una forma di memoria attiva: un patrimonio vivo, capace di evolversi e assumere nuove forme senza perdere il legame con le proprie origini.

La collezione si intitola “Fare e disfare” e nasce da una ricerca sul ready-made e sul decostruttivismo. L’attenzione si rivolge al valore nascosto dell’oggetto apparentemente anonimo o ordinario. In questo percorso di ricerca mi sono avvicinata al lavoro dei fratelli Castiglioni, ispirandomi al loro modo di valorizzare l’oggetto senza cancellarne l’identità e l’origine, mettendone in luce anche la bellezza delle forme. Da qui nasce il legame con il decostruttivismo: scomporre qualcosa per leggerne la struttura, le tracce, la memoria, e poi ricomporlo in una forma nuova. Nella collezione questo pensiero si traduce attraverso tagli, pieghe e asimmetrie, come se l’abito fosse il risultato di un processo continuo di costruzione e decostruzione.

La collezione nasce da una riflessione sul rapporto tra abito, corpo e identità, a partire da Umberto Eco e dal concetto espresso nel saggio Pensiero lombare, in cui il vestito viene interpretato come una sorta di protesi del corpo, capace di modificarne confini, percezione e presenza nello spazio. La ricerca unisce due riferimenti principali: i capispalla civili tra fine Ottocento e inizio Novecento, caratterizzati da strutture rigide e autorevoli, e i maglioni Aran dei pescatori, nati come protezione dalle condizioni climatiche. Questi codici vengono reinterpretati attraverso volumi oversize, pieghe profonde, proporzioni amplificate e trecce ingrandite. I materiali rafforzano il contrasto tra forza e sensibilità: denim e texture workwear dialogano con lana chunky e tessuti artigianali a telaio. La palette, composta da panna, grigio e denim, è attraversata da rosa e dégradé più emotivi. La collezione propone così una mascolinità contemporanea in cui forza e vulnerabilità convivono, e l’abito diventa protezione, estensione del corpo ed espressione dell’identità.

Materials from Eden è una collezione di maglieria Autunno/Inverno che celebra la natura come la forma più alta di design, guidata da evoluzione, adattamento e dallo scorrere del tempo. Il concept si ispira al mito del giardino dell’Eden: un paesaggio etereo in cui luce, materia e vita coesistono in perfetta armonia. Eden smette di essere un’utopia lontana e diventa la celebrazione della Terra come espressione più pura e viva della creazione. La ricerca si concentra sull’essenza materiale di questo paradiso. La natura è un motore creativo inesauribile, capace di plasmare strutture e texture straordinarie: dalla delicatezza impalpabile di una ragnatela alla solida forza della roccia. Attraverso la maglieria, la collezione traduce questa ricchezza tattile in volumi, strati e contrasti cromatici. Forme e lavorazioni trasformano il mito in un’esperienza sensoriale concreta, ricordandoci che il vero paradiso è già qui, nella materia che ci circonda.

L’abilismo decide quali vite meritano spazio e quali devono essere corrette o normalizzate. I corpi non conformi vengono resi funzionali, adattati a un sistema che non li contempla. NIDUCORA nasce dall’osservazione delle pratiche animali: dal modo in cui gli animali manipolano la materia. Il gesto animale e quello umano si incontrano nella necessità di costruire un rifugio. Quando lo spazio è negato il nido diventa riappropriazione. Ogni strato è cura, memoria, adattamento. Rivendicare il nido significa rivendicare il diritto di occupare spazio e di esistere nella propria vulnerabilità.

Radicata nella nostalgia, la collezione esplora le tracce che il tempo lascia dietro di sé. Archivi di famiglia, tessuti ereditati e tappezzerie diventano frammenti di un paesaggio personale, portando con sé ricordi di luoghi, gesti e atmosfere familiari. Rielaborati attraverso uno sguardo contemporaneo, questi elementi danno vita a un archivio emotivo in cui passato e presente si confondono. La nostalgia diventa un modo per preservare ciò che sta svanendo, permettendo al tempo stesso alla memoria di assumere una nuova forma.

“Nell’albero” esplora l’evasione dalla realtà come forma di rifugio e, allo stesso tempo, di prigionia. Il progetto nasce dall’immaginazione come spazio di protezione: un mondo privato in cui ritirarsi quando la realtà esterna diventa opprimente. L’albero è la metafora centrale di questo rifugio: un luogo dell’infanzia, un corpo protettivo, una soglia tra realtà e immaginazione. Ma il rifugio può trasformarsi in una prigione. Ciò che inizialmente protegge può isolare, e il desiderio di fuga può diventare una forma di alienazione. La collezione traduce questa trasformazione attraverso l’abito: da silhouette morbide, intime e protettive a forme progressivamente più rigide, distorte e costrittive. Il contrasto tra comfort e disagio, protezione e costrizione, racconta il momento in cui uno spazio sicuro si trasforma in una trappola.

La collezione prende forma dalla reinterpretazione dell’uniforme militare, intesa come espressione di ordine, appartenenza e identità. Attraverso la sperimentazione materica, superfici e materiali rendono visibili tracce, imperfezioni e memoria, trasformando il vissuto in linguaggio. La costruzione dialoga con una materia che porta in superficie ciò che normalmente resta nascosto, ridefinendo un nuovo concetto di perfezione. L’ordine appartiene alla forma, le tracce raccontano.

MONDAI: Tobi or not Tobi nasce dall’incontro tra abbigliamento tecnico da lavoro e streetwear contemporaneo, indagando l’universo visivo e simbolico dei Tobi Shokunin (鳶職人), gli artigiani edili giapponesi noti per operare acrobaticamente ad altezze elevate. Lontano dall’omologazione del techwear standardizzato, il progetto riscopre la dignità dell’uniforme da lavoro e la filosofia dello “shokunin kishitsu” (spirito dell’artigiano), inteso come dedizione al mestiere, precisione costruttiva e rispetto della materia. L’iconica silhouette ampia e funzionale dei pantaloni tobi viene reinterpretata attraverso la sartorialità italiana contemporanea, calibrando volumi scultorei ed ergonomia dinamica. La collezione traduce l’eredità storica e l’etica del lavoro manuale giapponese in un guardaroba dal design rigoroso, durevole e identitario, dove ogni capo porta con sé una memoria collettiva, una postura e un profondo senso di equilibrio tra corpo e spazio.

Vintage Tale reinterpreta elementi familiari delle case delle nostre nonne attraverso una prospettiva romantica e contemporanea. Centrini, nappine e tappezzerie vintage floreali vengono estratti dal loro contesto tradizionale e trasformati in elementi distintivi dei capi. Ogni look incorpora autentici elementi vintage, abbracciando l’upcycling sia come approccio creativo sia come modo per dare una nuova vita a materiali già esistenti. Attraverso il contrasto tra nostalgia, silhouette contemporanee e dettagli femminili, la collezione porta al presente frammenti della memoria domestica, trasformando ciò che è familiare quotidiano in qualcosa di prezioso, espressivo e indossabile.

“Fading Echoes of Us” nasce da un pensiero semplice: gli amici immaginari esistono solo per un determinato periodo. Arrivano silenziosamente, diventano una parte importante dell’infanzia e poi, altrettanto silenziosamente, scompaiono. Ma scompaiono davvero, o cambiano semplicemente forma? La collezione esplora l’amico immaginario come metafora della natura fugace dell’infanzia, dell’innocenza, della meraviglia e della libertà emotiva. Crescere significa perdere parti di noi stessi mentre viviamo esperienze per la prima volta. Sebbene persone, relazioni e ricordi possano scomparire fisicamente, non ci lasciano mai davvero: diventano parte di ciò che siamo. Ispirata a “Nothing Gold Can Stay” di Robert Frost, la collezione interpreta l’impermanenza non come qualcosa di tragico, ma come ciò che rende certe esperienze significative. Attraverso il rapporto tra chi indossa il capo e l’amico immaginario, “Fading Echoes of Us” esplora lo spazio tra presenza e assenza e come ciò che abbiamo amato possa continuare a vivere dentro di noi, anche dopo essere svanito

La collezione trae ispirazione dall’immaginario giapponese e, in particolare, dal mondo degli yōkai. Al centro della narrazione c’è la storia di una creatura che, dopo la perdita di una persona cara, intraprende un viaggio di trasformazione: dal buio più profondo alla riconquista della luce. Durante il suo percorso, affronta diversi demoni, ognuno incarnazione di un’emozione universale: rimpianto, dolore, fragilità e rabbia. A farle da guida c’è una farfalla, simbolo di cambiamento e rinascita, che evolve insieme a lei nel corso del racconto. Questo viaggio interiore si riflette nella collezione attraverso una graduale transizione visiva e materica: dai colori scuri a quelli luminosi, dai tessuti pesanti e avvolgenti a materiali leggeri e trasparenti, fino a evocare la completa metamorfosi.

A differenza di una collezione convenzionale, questo progetto non è nato sulla carta tra bozzetti o disegni tecnici: è partito da zero. Ho scelto un approccio del tutto differente e sperimentale rispetto al metodo imparato durante gli studi. Sono partito da una ricerca iniziale sui volumi e dettagli affascinanti; poi ho messo via tutto, affidandomi unicamente all’immaginazione. È iniziato così un percorso durato mesi, in cui ogni idea è passata direttamente dalla mente al tavolo da modello, fino al taglio, alla confezione e alla finitura a mano, inserendo talvolta modifiche ad ogni step del percorso. Per concentrare l’attenzione solo su forme, volumi e texture senza la distrazione del colore, ho scelto di lavorare solamente il nero. Attraverso questo approccio ho sperimentato tagli d’impatto ma che rimanessero indossabili anche nella vita quotidiana, valorizzando elementi di recupero di alta qualità, da delicati pizzi a bottoni unici in madreperla e legno.

In un mondo dominato dalla fast fashion, Ikigai – Slow Prêt-à-Couture celebra la lentezza come scelta consapevole e omaggio alla pazienza, invitando a riscoprire il valore del tempo, delle persone e della nostra casa: il pianeta. Al centro della collezione vivono Ikigai, la ricerca di ciò che dà senso all’esistenza, e festina lente, l’invito ad “affrettarsi lentamente”. Due visioni che condividono una stessa idea di tempo: non correre verso ciò che verrà, ma dare valore a ciò che accade nel presente. Rallentare diventa così un gesto capace di restituire significato al fare. Da questo pensiero nasce l’incontro tra sartoria italiana e tradizione tessile giapponese. Il Made in Italy incontra il denim giapponese selvedge, fondendo costruzione sartoriale, geometrie essenziali, rigore e fluidità. Il capo non è pensato per essere consumato, ma vissuto: cambia con il corpo, si trasforma nel tempo e conserva tracce, esperienze e memoria. Ogni capo diventa così un diario del tempo, una connessione tra passato, presente e futuro, nel rispetto dell’uomo e della Terra. Da questo pensiero nasce l’incontro tra Made in Italy e tradizione giapponese. Oltre al tessuto, il dialogo prende forma nelle silhouette, dove linee, volumi e costruzioni dei due mondi si incontrano e si trasformano, creando un equilibrio tra rigore sartoriale italiano e fluidità giapponese.

Nella mia collezione As The Wind Touches, ho esplorato la tensione tra il visibile e l’invisibile, concentrandomi su persone che la società spesso ignora: il Senzatetto, la Prostituta, l’Orfano e il Carcerato. Le loro vite esistono in un fragile equilibrio tra presenza ed emarginazione, plasmate dall’instabilità e dalla ricerca di un senso di appartenenza. Al centro del lavoro vi è l’idea della “Forma del Vento”: una forza invisibile che, così come il vento modella i paesaggi, rappresenta la silenziosa pressione delle norme sociali e delle aspettative culturali, che continuamente plasmano e consumano le vite umane.

La collezione nasce dall’immaginario delle carte da gioco e dal dinamismo strategico del Machiavelli, trasformando simboli ludici in metafore contemporanee del potere. Ogni elemento diventa una mossa, un segno, una dichiarazione: un equilibrio instabile tra fortuna e calcolo, che riflette i meccanismi invisibili dei giochi di potere nella società odierna. Ogni capo rappresenta una carta da gioco ed ogni carta rappresenta la specifica condizione sociale di un individuo. Si tratta di una collezione upcycled primavera/estate, tutti i tessuti usati infatti provengono da vecchi indumenti o da tessuti deadstock

Scegliere:Ogni scelta è come provare un ruolo.Le scarpe puntano in lontananza, mentre noi restiamo sulla soglia,esitando a fare il primo passo. Diventare： Gli abiti plasmano la forma,gli specchi plasmano l’identità. Ci esercitiamo a sorridere davanti allo specchio, imparando a diventare ciò che la società si aspetta da noi. Caos: Con il moltiplicarsi dei ruoli,il sé inizia a sfumare. L’identità si gonfia come un palloncino, il corpo viene inghiottito dagli ornamenti e gradualmente perdiamo la nostra forma nella performance. Oz: Il vero me Oz non è mai esistito lontano; era sempre nascosto in fondo all’armadio. Ci togliamo le maschere, solo per scoprire che tutti i personaggi erano solo un’altra recita.

La collezione indaga il corpo come territorio in continua mutazione, in cui il genere si disfa, si reinventa e si mette in scena. Il progetto si ispira al concetto di performatività di genere di Judith Butler e agli immaginari di Nan Goldin (The Ballad of Sexual Dependency), Chantal Regnault e Leigh Bowery, esplorando il corpo queer come spazio di espressione, ambiguità e trasformazione identitaria. La decostruzione e l’upcycling diventano strumenti progettuali e gesti simbolici: i capi vengono smontati, modificati e ricomposti, rendendo visibili strutture e stratificazioni. Attraverso l’uso stampe ispirate ai pizzi, imbottiture e volumi ampliati, la materia tessile interviene sulla silhouette, alterandone la percezione. La collezione propone così un corpo aperto alla metamorfosi, alla molteplicità e alla continua riscrittura della propria identità.

BALANCE esplora la coesistenza di emozioni contrastanti nell’esperienza umana. Gioia e tristezza, forza e vulnerabilità, calma e caos non si annullano, ma convivono in una continua ricerca di equilibrio. La collezione traduce questa tensione interiore attraverso contrasti di volumi, texture e costruzioni: la morbidezza incontra la struttura, la fluidità dialoga con la geometria e gli elementi delicati si confrontano con forme decise e scultoree. BALANCE celebra la complessità emotiva, trasformando il contrasto in armonia e permettendo a sentimenti opposti di convivere come parti diverse della stessa identità.

L’obiettivo della collezione è immaginare una “Eve 2.0” che mette piede sulla superficie del Pianeta Rosso, entrando in relazione con questo nuovo territorio alieno. “Eve 2.0” non fugge dalla Terra per dimenticare il proprio passato, ma lo porta con sé e lo reinterpreta attraverso nuove forme. Questa idea di reinterpretazione del passato si estende anche ai materiali. Una parte della collezione è sviluppata utilizzando tessuti da stock, reintrodotti in un nuovo contesto anziché essere destinati allo scarto. Materiali già esistenti acquisiscono una seconda vita attraverso nuove silhouette, costruzioni e combinazioni, entrando a far parte di un nuovo linguaggio visivo e funzionale. Le forme e le silhouette prendono ispirazione dalle opere di Ruth Asawa, che sembrano sospese in un equilibrio costante tra organico e inorganico, leggerezza e densità. Come nelle sculture di Asawa, la bellezza della collezione nasce dalla tensione tra fragilità e resilienza, vuoto e forma, diventando il simbolo di un nuovo inizio.

Duende del Alma esplora la trasformazione del dolore in bellezza, celebrando l’eleganza come espressione dell’anima. La collezione unisce l’intensità spagnola alle mie radici sarde, trasformando memoria e fragilità in forza creativa. Raichinas (“radici”): Abito dominato dal dinamismo delle frange sarde, cucite a mano, e dai volants in organza di seta d’ispirazione spagnola. Alba: Abito sartoriale nude in cotone, definito da una cascata di ruches e volants che scolpiscono la silhouette. Un inno alla purezza della forma e alla sartorialità. Lina: Abito a sirena in pizzo nero a collo alto, impreziosito da gonna e ruches in organza di seta cucite a mano. Una dedica a mia nonna, alla sua passione per il pizzo e a un’eleganza d’altri tempi. Una linea che fonde memoria, scultura e tradizione in storie da indossare, capaci di emozionare.

Collezione Donna Primavera/Estate. Tra le Trame è una collezione donna Primavera/Estate composta da cinque look, ispirata ai ricordi d’infanzia e al legame con la cultura italiana, in particolare con la figura della nonna. La collezione nasce da oggetti familiari della tradizionale casa italiana: centrini fatti a mano, lenzuola ricamate, pizzi e tessuti accuratamente conservati nei cassetti e tramandati di generazione in generazione. Semplici oggetti della quotidianità che, con il passare del tempo, diventano frammenti di memoria e raccontano la storia delle donne di una famiglia. Questi elementi vengono estratti dal loro contesto domestico e trasformati in moda contemporanea. Centrini e tessuti vintage vengono riutilizzati, tagliati, sovrapposti e ricostruiti per creare nuove forme e volumi. Le loro texture e i ricami rimangono riconoscibili, mentre la loro funzione originaria cambia: ciò che un tempo apparteneva alla casa diventa parte del capo d’abbigliamento. I cinque look seguono un percorso dalla memoria alla trasformazione, portando la delicatezza dei tessuti tradizionali in dialogo con silhouette moderne e strutturate. Il risultato crea un contrasto tra passato e presente, fragilità e forza, tradizione e contemporaneità. La collezione è pensata per una donna giovane e contemporanea, indicativamente tra i 20 e i 35 anni, curiosa, creativa e interessata a una moda dalla forte identità artistica. Cerca capi che abbiano una storia e un significato, apprezza l’artigianali

Negli ultimi anni ha preso piede il fenomeno dei “dog parents” per il quale il cane viene trattato come un figlio. Questo fenomeno si scontra con la realtà fuori dalle mura domestiche dove i cani sono animali e, in quanto tali, gli vengono preclusi accessi e servizi. Questa dissonanza, tra la realtà interna e la realtà esterna, crea malessere in molti “genitori di cani” ed è da questo presupposto che nasce il mio progetto: “Where’s dog at?”. Questa collezione, pensata per quei momenti della giornata in cui il cane non può essere presente (es. lavoro ), si pone l’obbiettivo di ‘accorciare’ questa distanza attraverso l’inserimento del pelo di cane negli abiti. Ogni capo della collezione ha del pelo di cane inserito tramite agugliatura, imbottitura o filatura.

Eleganza Geometrica Eleganza Geometrica nasce dallo studio e dalla reinterpretazione di alcune forme geometriche, in particolare cerchio e triangolo, riprese sui capi attraverso tagli e costruzioni modificati che ne richiamano le forme senza riprodurle letteralmente. La collezione si sviluppa attraverso un contrasto tra sensualità ed eleganza, con capi caratterizzati da tagli netti e precisi e da un gioco di vedo e non vedo, che lascia intravedere il corpo in maniera sofisticata. Un elemento distintivo sono i piccoli specchi, collegati tra loro tramite gancetti, che creano un particolare gioco di riflessi e di luce durante il movimento. La palette cromatica è composta da nero e fucsia, mentre i materiali utilizzati sono pizzo, duchesse e twill, scelti per creare un equilibrio tra trasparenza, struttura e luminosità. La collezione è composta da 4 look, nei quali geometria, sensualità e raffinatezza si incontrano dando vita a un’eleganza contemporanea e scenografica.

Cinque capi. Un universo da indossare. Blue Constellations trasforma il denim riciclato in una nuova costellazione urbana, pensata per donne che non seguono i sentieri tracciati da altri, ma ne creano di propri. L’iconico blu del denim diventa il punto di partenza per una collezione streetwear audace, contemporanea e impossibile da ignorare. Top e gilet sono protagonisti grazie a silhouette decise e versatili, nate dal recupero dalla trasformazione di materiali esistenti in qualcosa di completamente nuovo. Bottoni riciclati punteggiano il denim come stelle nel cielo notturno, creando inaspettati punti luce che rendono unico ogni capo e trasformano un tessuto familiare in qualcosa di straordinario. Blue Constellations • trasforma il denim riciclato in una nuova costellazione urbana, pensata per donne che non seguono i sentieri tracciati da Blue Constellations è energia, attitudine e libertà.لنا moda pensata per la città: fatta per essere mixata, reinterpretata personalizzata. Una collezione che nasce dal passato, disegnata per il presente e pronta a conquistare il guardaroba di una nuova generazione. Perché oggi il denim non è solo un classico. È una costellazione. E tu sei pronta a diventarne parte.

Mentre stai leggendo queste righe, un colloquio sta già avvenendo. Anche se non siamo nella stessa stanza e non possiamo vederci, questo preciso istante, in cui valuti la mia candidatura, è la materia prima del mio progetto. Dopo la laurea, ci si ritrova catapultati in una giostra di colloqui dove le emozioni che ti travolgono non sono sempre positive. Tra l’entusiasmo e la voglia di farcela si insinua la paura di non essere abbastanza, l’ansia del confronto e il peso dei sacrifici. Partendo dai simboli formali dell’ufficio e dell’omologazione — la camicia, il cappotto sartoriale, il gessato — la collezione decostruisce questi elementi per trasformarli nelle tappe di un crollo emotivo, un burnout catartico. Una domanda guida l’intero processo: se nessuno ci guardasse, creeremmo lo stesso? Questa collezione è la mia risposta per dare voce a un’identità autentica.

L’automobile come simbolo di rinascita, costume e geniualità italiana. Questa collezione rende omaggio alla storica Fiat 500 Topolino, la vettura che ha messo su strada i sogni dell’Italia, trasformandoli in un viaggio nella storia e nell’identità del nostro Paese. Attraverso silhouette sartoriali e dettagli d’ingegneria visiva, i capi rievocano l’estetica e l’anima delle prime automobili italiane, icone di un’epoca che ha posizionato l’Italia al centro del design mondiale. La palette cromatica — guidata dal bianco, dal giallo e dal blu, dialoga con l’uso della pelle lucida, scelta per rievocare la brillantezza della carrozzeria e i riflessi del design industriale d’epoca. Elementi concettuali come l’airbag integrato non sono solo dettagli strutturali, ma veri e propri simboli di protezione e innovazione che uniscono sicurezza e alta moda. Tra nostalgia e visione contemporanea, la collezione non veste soltanto il corpo, ma racconta una storia di cultura, memoria e stile che continua a far sognare il mondo intero.